Le Journal Cinéma du dr Orlof

Une fois n’est pas coutume, nous n’allons pas parler d’un film en particulier mais d’un programme de courts-métrages expérimentaux (des années 20/30) et de La souriante Madame Beudet (1922), moyen métrage d’ « avant-garde » de Germaine Dulac. C’est Arte qui nous a offert ces films et cette heureuse initiative mérite d’être saluée car le cinéma expérimental n’a aucun droit de cité à la télévision (ni d’ailleurs sur grand écran pour quiconque n’est pas parisien !) et c’est scandaleux. Je ne comprends pas que l’on puisse se dire cinéphile et ne pas être attiré par les expériences les plus extrêmes. L’art, c’est aussi nous conduire vers les limites et je pense qu’au même titre que le cinéma de kung-fu, les comédies franchouillardes des années 80, les films d’horreur italiens et espagnols des années 70, les films pornos…, le cinéma expérimental doit exciter la curiosité du cinéphile. Il fut un temps où la salle d’art et d’essai de ma ville tenta de consacrer quelques soirées (trois dans l’année) au cinéma expérimental. Quelque fois, le choc fut rude ; mais j’ai pu y découvrir aussi de véritables petites perles signées Len Lye, Norman McLaren, Isidore Isou, Maurice Lemaître ou Marcel Hanoun.

Hier, nous avons du nous contenter de grands « classiques » signés Hans Richter, Oskar  Fischinger et Walther Ruttmann. Tout trois ont des formations de peintre ou de musicien et ont fréquenté l’avant-garde artistique de l’époque. Richter, par exemple, est une grande figure du mouvement Dada. De leurs expériences, les trois artistes tirent leur singularité : Fischinger et Ruttmann ont une approche plus « musicale » du cinéma alors que Richter l’aborde de manière picturale.

Dans Etude n°7 et Composition en bleu, Fischinger illustre avec des formes géométriques des morceaux musicaux. Au son d’une symphonie de Brahms (celle que Chaplin écoute à la radio dans Le dictateur lorsqu’il fait la barbe à ses clients), les formes d’Etude n°7 semblent s’allonger et s’emballer au rythme de la musique. A partir de formes blanches sur un fond noir, Fischinger réalise un film hypnotique et emploie le même procédé dans Composition en bleu, sauf que le ballet de formes est cette fois colorisée et donne lieu à un feu d’artifices très beau.

Spiritual constructions du même Fischinger relève déjà plus du cinéma d’animation : des personnages et des décors en ombres chinoises ne cessent de se métamorphoser et de former, là encore, un ballet de formes abstraites. C’est très réussi. Fischinger continuera d’ailleurs dans la voie de l’animation. Exilé aux Etats-Unis au moment de la guerre, il participera à l’aventure de Fantasia. Sauf que la séquence qu’il réalisa sera jugée « trop abstraite » et sera retouchée.  Sans commentaire.

Des trois cinéastes, Walther Ruttmann fut celui qui tourna le plus mal puisqu’il adhéra à la cause nazie et fut tué sur le front russe en 1941 alors qu’il tournait des actualités. Le nom de Ruttmann restera surtout pour les documentaires qu’il tourna sous l’influence de Dziga Vertov (Berlin, symphonie d’une grande ville). Dans La symphonie filmée, il livre lui aussi un ballet de formes qui semble vivre en suivant la musique. Volutes lumineuses mauves, cercles bleus ; Ruttmann travaille surtout les questions de rythme, de luminosité et de couleur. Un poil trop long, ce film est également très beau et assez hypnotique. Certains passages rappellent les toiles les plus abstraites de Mirò.

Comme ses compères dadaïstes Marcel Duchamp et Man Ray, Hans Richter a tout de suite été intéressé par les potentialités de cet art nouveau qu’était alors le cinéma. Comme Fischinger et Ruttmann, il a réalisé des films totalement abstraits comme ce Rythmes 21 (de 1921), composé uniquement de formes géométriques noires et blanches.  On pense aux recherches de Malevitch sur le suprématisme. Sauf que le mouvement donne une vigueur que n’ont pas forcément certaines toiles abstraites. Ici, un rectangle noir qui s’élargit sur un fond blanc donne le sentiment d’un passage vers un ailleurs et cet agencement de formes en mouvement finit également par fasciner. Dans Etude cinématographique (là encore, un jeu sur les formes circulaires avec notamment de nombreuses images d’yeux) et Fantômes du matin, Richter a recours à des images filmées. Ce dernier film ne manque d’ailleurs pas d’un charmant humour surréaliste puisque le cinéaste s’amuse avec tous les trucages cinématographiques possibles : les chapeaux melons volent au-dessus du jardin, un service à thé se brise et se reconstruit (jeu avec le ralenti et le retour en arrière), un nœud papillon se défait tout seul et quatre hommes peuvent sans problème se cacher derrière un poteau tout fin… Même en ayant recours à la figuration, c’est les questions de rythme qui préoccupent Richter qui explore ici toutes les possibilités visuelles du cinéma.

Le gros morceau de la soirée devait être la souriante Madame Beudet de Germaine Dulac, cinéaste célèbre pour avoir fait scandale aux Ursulines avec son film La coquille et le clergyman (avec Antonin Artaud ) . Grâce à ce film, Dulac a obtenu sa réputation de cinéaste d’ « avant-garde ». Or la souriante Madame Beudet ne relève absolument pas de cette catégorie mais plutôt du « film d’Art » qui fut l’une des inventions les plus funestes pour le     cinéma français. En effet, c’est avec la naissance de ce « film d’Art » (1908 : l’assassinat du duc de Guise) que les bourgeois tente d’extraire le cinéma de ses origines populaires et foraines pour lui donner ses lettres de noblesse en le faisant traiter de « grands sujets » et en le ramenant du côté du théâtre et de la Culture.

Ici, Dulac combine tous les tics de ce cinéma là :  théâtre bourgeois (les atermoiements d’une femme mal-mariée), la lourdeur psychologique, le goût pour le grand sujet (la condition féminine). Vous ne pouvez pas vous imaginer à quel point c’est pesant : les sous-titres viennent surligner ce que l’image n’aura plus qu’à illustrer et les quelques « recherches » formelles (en fait, des transparences) sont également annoncées lourdement (attention, ceci est un rêve !). J’ai ressenti le même type d’ennui que face au pensum de Marcel L’Herbier l’inhumaine, autre exemple de ce cinéma d’Art hautement Kulturel !

Après une série de courts-métrages vifs, insolents et iconoclastes ; on aurait préféré qu’Arte nous propose Un chien Andalou ou les films de Man Ray plutôt que ce monument de ringardise bourgeoise !

Les compagnons de la marguerite (1966) de Jean-Pierre Mocky avec Claude Rich, Francis Blanche, Michel Serrault, Roland Dubillard, Michael Lonsdale, Jean Tissier

Je le disais à propos de l’étalon : les films de Mocky fourmillent d’idées pour rendre la vie moins triste et pour se révolter contre notre « monde de l’erreur complète » [William Blake]. Après avoir proposé le pillage des troncs d’église (un drôle de paroissien), la création d’un contingent d’étalons destiné à satisfaire les désirs des femmes mal mariées ou la mise sur pied de commandos s’attaquant aux antennes de télévision (la grande lessive) ; voilà que notre cinéaste survolté propose ici de s’attaquer aux registres d’état civil et, tel le grand nabab révolutionnaire Anacharsis Cloots, de refondre l’identité de chacun selon son bon vouloir.

Matouzec (Claude Rich), expert en écritures, travaille à la bibliothèque nationale. Malheureux en ménage (sa femme passe sa journée devant la télévision), il décide un jour de se livrer à un échange. Il propose par annonce  d’ offrir sa femme à un homme à qui elle correspondrait et de prendre en retour la femme de celui-ci. Et pour éviter les lourdes procédures du divorce, la paperasse et la valse des avocats ; il met à contribution son talent pour falsifier les registres d’Etat civil et créer de nouveaux couples ni vu, ni connu…

Comme d’habitude chez Mocky, la bonne idée de départ fait boule de neige et le film prend des proportions « hénaurmes ». Echauffé par l’idée de « tout faire sauter », Matou fonde une société secrète (ces fameux compagnons de la marguerite) et devient un Robin des bois matrimonial accourant pour secourir tous les malheureux en ménage. Il faut voir le commissaire Papin (Michel Serrault) se rallier à sa cause lorsqu’il se rend compte qu’il va pouvoir se débarrasser de sa femme (un mélange de Jeanne Fusier-Gir –pour le côté bourgeoise revêche- et de Demi Moore –pour le côté paramilitaire et les entraînements musclés qu’elle fait subir à son diable d’homme !) et devenir enfin veuf !

Menée sur un rythme allègre, la farce est souvent amusante et permet une fois de plus à Mocky de s’en prendre joyeusement aux institutions. Les flics sont tournés en ridicule, l’institution du mariage est bafouée (surtout dans son acceptation bien-pensante) et le cinéaste plaide pour l’amour véritable loin de tout formulaire, registre et fiche d’état civil exerçant un contrôle inadmissible sur l’individu libre. Quitte à choisir, et si elle est le fait d’individus consentants et libres, il opte plutôt pour la polygamie joyeuse contre ces unions de convenance dont il est impossible de se défaire ensuite et qui enterrent l’amour sous les décombres de l’ennui et de la morosité quotidienne. On retrouve dans ces compagnons de la marguerite cet esprit frondeur et libertaire qui nous réjouit tant chez Mocky.

Ses films des années 60 vieillissent fort bien (mais je suis persuadé que dans 30 ans, on pourra revoir avec grand plaisir les films qu’il tourne actuellement) et s’avèrent foutrement prémonitoire de cette révolution des mœurs qui allait secouer la France après 68.  Mocky ne cesse de tancer les hypocrites et les pères la pudeur de l’époque avec une verve qui fait toujours plaisir à voir (et qu’on retrouverait avec peine dans les navets que tournent Clovis Cornillac ou Jean Dujardin !).

A part ça, c’est du grand Mocky 3D : Destruction, Délire et Décapage. Ca part dans tous les sens : les acteurs prennent un malin plaisir à en faire des tonnes (il faut voir Francis Blanche mignonne comme tout dans sa robe de mariée !), les situations sont abracadabrantes (Matou et sa bande finissent par attaquer les mairies avec un camion de l’EDF), les jeux de mots foireux et autres calembours navrants tombent comme pluie sur les côtes du Finistère en automne (Blanche joue le rôle du commissaire Leloup et ne cesse de hurler à la manière de l’animal qu’évoque son patronyme), les détails complètement surréalistes foisonnent (les flics qui tirent sur les pigeons de Paris et les font rôtir au commissariat) , les trognes les plus improbables défilent (de l’exhibitionniste poilu au début du film à la galerie de magistrats du tribunal dans la scène finale). On nage dans l’iconoclastie la plus complète et c’est jubilatoire.

Chapeau Monsieur Mocky !

La révolte des morts-vivants (1971) d’Amando De Ossorio

Malgré quelques joyeuses digressions sur Jean Gourguet, accueillies par une glaciale indifférence, ce blog prend depuis quelques temps un caractère très sérieux et risque de sombrer dans le doctoral par la faute d’une grille télévisuelle n’offrant que trop peu d’aberrants nanars dont nous nous délectons. Profitons donc de cet instant pour saluer Arte (une fois n’est pas coutume !) pour son audacieuse case du jeudi soir consacrée au cinéma « trash ».

N’ayant pas eu le courage jusqu’à présent de veiller pour revoir de bons films bien déjantés (le masque du démon de Bava, la nuit des morts-vivants de Romero, l’excellent Supervixens de Russ Meyer…), je n’avais pas salué cette heureuse initiative. Je le fais de bon cœur, d’autant plus que les raisons de se plaindre d’Arte sont de plus en plus nombreuses (ceci dit, nous auront droit à du cinéma expérimental la semaine prochaine : encore une raison de se réjouir).

Bref, venons-en à nos morts-vivants espagnols et à ce premier opus consacré par Amando De Ossorio aux zombies templiers (sa tétralogie restera son titre de gloire).

Prologue. Des chevaliers templiers sacrifient lors d’un rituel somme toute assez obscur une jeune femme attachée à une croix de torture. La caméra ne sait pas trop où se placer alors le cinéaste fait des plans d’ensemble en plongée ou des gros plans des lames d’épées pénétrant la poitrine dénudée de la vierge (yeah !). Dès cette première séquence, nous sommes dans le bain : de la série Z avec toutes ses promesses de ringardise (certes) mais aussi d’une véritable beauté. Nous ne sommes pas dans une économie de cinéma classique. Il serait donc facile (et idiot) de se gausser du manque de moyens évident du film, des incohérences du scénario, de la nullité absolue de l’interprétation (là, c’est vraiment dur, d’autant que le doublage en français n’arrange pas les choses mais participe d’une certaine manière à l’étrangeté de la chose).

Mais si on accepte les conventions de ce type de film , on devra reconnaître la réussite indubitable de certains passages et la sincérité (mêlée de roublardise) d’un cinéaste qui cherche malgré tout les aléas de sa production à imposer une vision.

Comme chez Jean Rollin ou son compatriote Jésus Franco ; c’est le scénario qui pêche chez Amando De Ossorio. Après le prologue décrit ci-dessus, nous voilà au bord d’une plage où Betty croise une vieille amie pas vue depuis leurs études communes : Virginia. Arrive un bellâtre qu’on devine être le petit ami de Virginia et en moins de temps qu’il n’en faut à l’éjaculateur précoce pour venir à bout de Catherine Zeta-Jones (eh !eh !) ; notre homme arrive à convaincre Betty de partir avec eux en week-end. Dans le train, les choses s’enveniment et Virginia saute en marche et part seule en pleine campagne (ben oui, c’est la seule solution trouvée pour que des personnes vivantes se rendent dans l’abbaye désormais hantée !) . Bref, Virginia est certainement une gentille fille (toute femme qui porte des shorts aussi courts et aussi moulants ne peut être que gentille !) mais pas très maligne puisqu’en ayant toute la région pour elle seule, elle décide de camper dans des ruines désaffectées à côté d’un cimetière. Même sans croire aux phénomènes paranormaux, je ne connais pas de lieux moins accueillants pour dormir (à part peut-être les bancs de l’assemblée nationale…).

Bref, après le premier zigouillage commis par les zombies, Betty et Roger décident de se bouger les fesses et de retrouver leur amie. Roger, qui combine le look du surfeur à gourmette et du jeune cadre madeliniste (beurk !) s’avère aussi un fin latiniste alors que son apparence laissait présager un QI de moule (« si mon latin ne me trahit pas , nous sommes en présence de rites templiers » dit-il en substance pour notre plus grande joie !).  Le pot au rose est découvert et avant d’avoir pu s’organiser, les zombies auront décimé un certain nombre d’individus jusqu’à un final ne laissant rien présager de bon pour l’humanité mais offrant au spectateur le bonheur d’espérer une suite.

Ce trop long descriptif vous aura fait comprendre que le film est construit de manière assez incohérente (alors que les morts-vivants sont aveugles et mous comme un programme électoral de l’UDF, aucun personnage n’a l’idée d’arrêter de crier et de prendre les jambes à son cou) et que la faiblesse de ce scénario qui se traîne empêche une totale adhésion du spectateur.

Néanmoins, le film réserve de très beaux moments de mise en scène. Comme Rollin, De Ossorio est un cinéaste de la vision et offre soudain des plans d’une stupéfiante beauté (les zombies qui sortent lentement de leurs tombes dans un cimetière embrumé). La photographie est vraiment très soignée et arrive à créer une atmosphère gothique dans la lignée des classiques de l’épouvante anglo-saxonne. Les templiers morts-vivants, squelettes énuclées sont aussi très réussis et leurs apparitions, soulignées par des chœurs lointains et une abondance de ralentis sont très belles.

Parfois, le cinéaste prend des partis-pris curieux mais assez gloupitants, comme lorsque l’héroïne est trahie par les battements de son cœur (série de zooms saccadés sur la poitrine de la belle) qui la font repérer par les assaillants.

Une autre séquence montrant l’attaque d’une jeune femme dans une galerie de mannequins rappelle certains films de Bava (Une hache pour la lune de miel, notamment) avec son éclairage rouge pétant.

L’ensemble est terriblement inégal mais voilà le type même de curiosité que je recommande chaleureusement aux amateurs de cinéma bis…